Titolo del corso
Visioni: aspetti della regia teatrale nel Novecento.

Il corso intende fornire una panoramica ampia e dettagliata sulle teorie e le pratiche della regia teatrale nel Novecento, affrontandone origini, sviluppi e trasformazioni, e mettendo a fuoco i complessi nodi e domande che esse pongono.
La figura del regista come fulcro della messa in scena e principale responsabile dell’opera è tutto sommato abbastanza recente, e non si può concordemente datare prima del tardo XIX Secolo. Tuttavia, in questo breve periodo sono fiorite innumerevoli modalità del praticare tale arte, visioni a volte profetiche a volte utopiche, spesso in contrasto tra loro, ma che nel loro insieme descrivono un cambiamento di paradigma nella concezione stessa del teatro.
Il corso è teso ad indagare come le diverse visioni del lavoro registico abbiano ridefinito sia la missione del teatro, vale a dire il suo ruolo nella società, sia il suo valore artistico e culturale, mettendo in discussione i parametri stessi del fenomeno teatrale: i rapporti tra testo, attore e pubblico, e il processo di creazione della performance. Questo ha comportato differenti modi di intendere il lavoro dell’attore, sperimentando processi di formazione attoriale che spesso oltrepassano i confini della tecnica, rivalutandone la corporeità e la spontaneità, o puntando su qualità psicologiche profonde che riguardano la persona nella sua globalità, fino agli estremi di santificare l’attore o prefigurarne la scomparsa. Anche la struttura intima dell’opera è riformata: essa diventa un progetto organico, un insieme che è più della somma delle parti, in cui spazio, tempo, corpo e parola si fanno scena.
Esploreremo queste diverse visioni attraverso quattro modalità didattiche:
Lezioni frontali, in cui si esporrà un profilo storico delle principali esperienze registiche del Novecento e le teorie ad esse correlate;
Laboratorio, in cui si sperimenteranno alcuni aspetti dei metodi di educazione dell’attore presenti nelle esperienze citate;
Videoforum, in cui si assisterà alla proiezione di film e video di spettacoli e laboratori, in particolare del periodo che va dalla seconda metà del Novecento ad oggi, cui seguirà discussione guidata in aula;
Lavori di gruppo, in cui si creeranno mini-progetti registici e drammaturgici a partire da elementi dati.


Argomenti del corso

Modulo 1:
Lo sguardo dell’altro
    a)    Il teatro come fenomeno intersoggettivo
    b)    La nascita della regia: L’Oeuvre d’Art Vivant
    c)    Il regista demiurgo e il regista pedagogo

Modulo 2:
Il paradosso dell’attore
    a)    La verità nella finzione
    b)    Immedesimazione e Straniamento: Stanislavskij e Brecht
    c)    L’attore sacro: Artaud

Modulo 3:
Il corpo e lo spazio
    a)    Attore e marionetta
    b)    Il corpo glorioso
    c)    Lo spazio vuoto e lo spazio pieno

Bibliografia:

Schino M. (2003) La nascita della regia teatrale, Laterza, Bari
Zanlonghi G. (2009) La regia teatrale nel secondo Novecento, Carocci, Roma

Uno o più testi a scelta fra i seguenti consigliati:

Brecht B. (2000) Scritti teatrali, Einaudi, Torino
Ruffini F. (2003) Stanislavkij. Dal lavoro dell’attore al lavoro su di sé, Laterza, Bari
Artaud A. (2000) Il teatro e il suo doppio, Einaudi, Torino
Brook P. (1998) Lo spazio vuoto, Bulzoni, Roma
Fo D. (1997) Manuale minimo dell’attore, Einaudi, Torino
Grotowski J. (1970) Per un teatro povero, Bulzoni, Roma

Premessa al corso del Triennio

Avvicinare i bambini al mondo dell'arte, ai suoi linguaggi, alle sue tradizioni e alle sue molteplici sfaccettature, implica non solo una conoscenza della materia, ma anche la capacità di pensare e applicare strumenti, metodi e tecniche che tengano conto delle peculiarità individuali, dei livelli di apprendimento e delle potenzialità creative dell'utenza.
La relazione educativa si pone quindi al centro della pedagogia artistica, e tale relazione deve per necessità essere creativa, vale a dire includere in essa la consapevolezza del funzionamento dei processi creativi, che può essere appresa solo attraverso una sperimentazione in prima persona.
“Le arti devono essere prese in considerazione seriamente in quanto modalità di scoperta, di creazione, di ampliamento della conoscenza” scriveva il filosofo Nelson Goodman.
Una pedagogia dell'arte non può ignorare tale principio, che implica che il compito dell'educatore non è solo introdurre il bambino nel mondo dell'arte, ma anche tenere nel dovuto conto il mondo dell'arte nel bambino. Ciò significa incoraggiare la tendenza spontanea del bambino a sperimentare con tutte le possibili forme espressive: nelle diverse fasi del suo sviluppo, il gioco infantile attraversa, benché in modo embrionale, l'intera gamma delle arti. “Il bambino ha cento lingue, cento mani, cento pensieri”: così Loris Malaguzzi sintetizzava il fondamento della sua pedagogia creativa.  L'educatore artistico dovrà accompagnare i bambini in questa sperimentazione, costruendo insieme a loro codici e linguaggi, e stimolando un atteggiamento riflessivo rispetto alle forme espressive sperimentate. Tale atteggiamento permetterà di accostarsi in modo consapevole alle arti nelle loro tradizioni consolidate, instaurando un dialogo con esse.
Protagonista di tale dialogo è quella che Aldo Carotenuto definiva la “dimensione creativa”, vista come una funzione della persona, pari per dignità alle funzioni affettiva e cognitiva, e con esse in continua interazione. Per lavorare sui processi creativi, l'educatore artistico dovrà fare affidamento non solo sul proprio sapere teorico e sulle tecniche acquisite, ma anche e soprattutto dovrà conoscerli dall'interno, attraverso esperienze formative che lo mettano in contatto con la propria dimensione creativa.

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Programma Pedagogia e Didattica dell\'Arte

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